“Luna nueva” (1940), Howard Hawks

Carlota Dans

Antes de comenzar a analizar más en profundidad algunas secuencias destacables de este film, debemos mencionar un aspecto que resulta esencial para comprender la puesta en forma de los materiales fílmicos que en ella se lleva a cabo. Pues se trata de una adaptación de una obra de teatro, escrita por Ben Hecht y Charles MacArthur, con todo lo que esto conlleva.

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A pesar de lo que pueda parecer a priori, el hecho de ser una adaptación teatral no obstaculiza en absoluto la fluidez de la narración, pues Howard Hawks emplea otros elementos para compensar la teatralidad y la quietud de la cámara. Frente a los escasos cambios de posición de la cámara y la sutileza del montaje, el cineasta dirige a los actores de forma que el montaje propiamente dicho es substituido por un montaje en el interior del plano, que resulta igualmente efectivo. Los movimientos de los actores y la agilidad de las réplicas en los diálogos se combinan produciendo un ritmo dramático que nos hace olvidar la presencia de la cámara. Ésta queda relegada a una función muy sencilla, la de registrar todo lo que sucede dentro de los límites del cuadro de la mejor forma posible, acercando al espectador al conflicto entre los personajes.

La amplitud del tamaño de plano domina en todas las secuencias, con una ausencia total de planos detalle y primeros planos cortos, permitiendo al espectador ver la acción en su totalidad, en vez de mostrarle fragmentos en los que detener su atención, contribuyendo por una parte a la objetividad del relato y por otra parte a la transparencia del discurso. Esta transparencia, clásica del cine de Hollywood de este período, es una constante en toda la película, constituyendo una de las características esenciales del montaje de la misma.

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Se trata, por lo tanto, de una gran labor de puesta en escena. Pues además de todas estas características de la planificación, nos hallamos ante una historia que sucede, en su práctica totalidad, en una misma localización (una redacción de prensa de una cárcel) y durante una sola noche. A pesar de esta unidad espacio-temporal, la agilidad de los diálogos y el movimiento de los actores crean un ritmo acelerado que introduce al espectador dentro de la acción. Debemos mencionar también que se trata de una comedia, del género screwball comedy, por lo que la fuerza dramática reside en los diálogos y en la interpretación más que en la planificación y en el montaje.

Para ver mejor todo esto, podemos señalar dos secuencias de la película. La primera de ellas corresponde al reencuentro entre Hildy y Walter, en el despacho de éste, al comienzo de la película. La secuencia destaca por la escasez de cortes en el montaje y por la sutileza del movimiento de la cámara, que se limita a reencuadrar a los personajes cuando se mueven, contribuyendo todo esto a la invisibilidad del montaje. Todo sucede en el despacho, y solamente con la presencia de dos personajes, que se mueven continuamente por la estancia, cambiando de posición y dotando de agilidad visual a la secuencia.

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La segunda secuencia tiene lugar hacia el final de la película, después de que Mollie Malloy salté por la ventana y de que echen de la redacción a la madre de Bruce. Walter y Hildy se quedan a solas, y comienza una secuencia de convencimiento en la que él logra persuadirla para que permanezca en su profesión y escriba la historia. Todo esto se materializa en un plano-secuencia, en el que los actores se mueven dando una vuelta alrededor de la mesa de la redacción, mientras la cámara los sigue, hasta que se detienen al lado del escritorio, en el momento en el que ella ya está plenamente convencida. En un mismo plano podemos ver cómo él la intenta convencer, la intención que pone en sus palabras, y cómo ella reacciona a lo que él le dice, con un planteamiento de cámara frontal, que recuerda a los inicios del cine, pues los actores actúan hacia la cámara.

(His Girl Friday2Una vez que Hildy ya está convencida, ambos se ponen a trabajar, y es aquí donde se produce el primer corte. Mientras en el primer fragmento los personajes se movían alrededor de la mesa lentamente, paralelamente al convencimiento que tiene lugar de forma gradual, con el primer corte se produce también un aumento del ritmo en la escena. Este aumento del ritmo es causado por una mayor brusquedad en los movimientos tanto internos (de los personajes) como externos (de la cámara). Se produce un zoom hacia Walter, hablando por teléfono y visiblemente emocionado por la situación, y se produce de nuevo un corte. Aparece Bruce y, a partir de aquí se suceden los cortes, dando lugar a una secuencia de planificación más convencional, pero que mantiene el tono de la película, con personajes que discuten y se pisan en las intervenciones, debido a la rapidez de los diálogos. Como es propio del teatro, los personajes vienen y van, entran y salen de plano, interrumpiendo a los personajes, pero nunca creando suspense acerca del fuera de plano.

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En definitiva, esta película se caracteriza por la transparencia del montaje, característica del modelo de representación clásico de Hollywood, que pretende que el espectador se adentre en la diégesis del relato, olvidando la presencia de la cámara. Esto se consigue partiendo de un texto teatral y combinando de forma hábil los diálogos y los movimientos, tanto de cámara como de actores, que dotan de fluidez a la narración.

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